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XXXVII Semana de Teatro

La Pola Siero de 8 al 12 julio 2019

Publicado el 05/07/2019
El tapin XXXVII Semana de Teatro

Lunes, 8  de julio, 21,00h.

LORCA

La correspondencia personal

 

Histrión Teatro

AUTOR FEDERICO GARCÍA LORCA

DRAMATURGIA y DIRECCIÓN JUAN CARLOS RUBIO

      

"Me fascina Lorca como escritor. Y me fascina Lorca como individuo. Y un buen día encontré el material que une su faceta profesional con la personal: su correspondencia. Hallé cartas tristes, burlonas, irónicas, teatrales, surrealistas y de un realismo hiriente y fascinante. Con todo este material he construido este espectáculo, un puzle sin complejos, un homenaje sin fisuras a la poética y la tragedia en la vida y obra de Federico García Lorca, un espectáculo que solo puedo concebir crear de la mano de una compañía teatral tan sólida y talentosa como histrión. Juntos navegaremos por la sangre de Federico, que por suerte y por desgracia, sigue más fresca que nunca 80 años después de haber sido derramada".

SINOPSIS

Una hora antes de morir, Federico García Lorca, encerrado entre las cuatro paredes de una celda, deja volar su desbordante imaginación, recordando los principales momentos de su vida. Un recorrido poético, alegre y triste, vital y desesperado, amargo y dulce, dónde las cartas que envió a los seres amados se convierten en el hilo conductor.

 

TRAYECTORIA

Histrión Teatro nació como compañía andaluza de teatro en el año 1994 y se su andadura se ha convertido en una compañía de referencia a nivel nacional. Entre los textos que ha

producido mencionaremos Tartufo el impostor, Volpone el zorro, Cyrano de Bergerac, Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín Macbeth,… En el año 2009 la compañía se

plantea nuevos retos y se propone redirigir su línea artística hacia un teatro más actual y contemporáneo basado en la emoción y en el cuerpo a cuerpo con el público. De la mano

de uno de los directores más prestigiosos de la escena actual como es Daniel Veronese, Histrión inicia su andadura con la obra DEL MARAVILLOSO MUNDO DE LOS ANIMALES: LOS

CORDEROS del que también es autor Veronese. Con este espectáculo recorre todo el país, realizando más de 100 representaciones y visitando Buenos Aires (Sala Timbre4 donde

permanece tres semanas en cartelera), Festival don Quijote de París y Festival de Almada (Portugal). En 2010 recibe el PREMIO AL MEJOR ESPECTÁCULO EN GIRA que otorga la Feria

de Huesca y que supone el reconocimiento de más de 40 profesionales de todo el país. En 2012 estrena un segundo montaje de la mano de Veronese TEATRO PARA PÁJAROS

premiado en los primeros premios del teatro andaluz en 2013. En el horizonte de Histrión está el seguir esta línea de trabajo, basada en el trabajo del actor y en el texto. Buscar la

mirada próxima del público con propuestas escénicas menos artificiosas desde la experiencia única que proporciona el teatro en estado puro.

En enero de 2017 se estrenará LORCA (LA CORRESPONDENCIA PERSONAL DE FEDERICO GARCÍA LORCA) de la mano de JUAN CARLOS RUBIO (AUTOR Y DIRECTOR)

En OTOÑO de 2017 la compañía se embarcará de nuevo rumbo a Buenos Aires para montar una vez más con el dramaturgo y director bonaerense Daniel Veronese el proyecto UNA

DERIVA.

 

 

FICHA ARTÍSTICA

 

INTÉRPRETES             Gema Matarranz y Alejandro Vera

AUTOR: FEDERICO GARCÍA LORCA

DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: JUAN CARLOS RUBIO

AYUDANTÍA DE DIRECCIÓN: LUIS MIGUEL SERRANO MARTÍN

MUSICA ORIGINAL y ESPACIO SONORO: MIGUEL LINARES

DISEÑO DE IMAGEN Y CARTEL: SERGIO PARRA

DISEÑO DE ILUMINACIÓN: JUAN FELIPE TOMATIERRA

AYUDANTÍA TÉCNICA: ÁNGEL MORENO CASADO

COMUNICACIÓN y DISEÑO GRÁFICO: SOFÍA G. PEULA

VESTUARIO: HISTRIÓN TEATRO

FOTOGRAFÍA DE ESCENA: GERARDO SANZ

DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN: HISTRIÓN TEATRO S.L. y TRIPLE F MEDIA

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: NINES CARRASCAL Y SONIA ESPINOSA

COMPAÑIA CONCERTADA CON:

MINISTERIO DE EDUCACIÓN CULTURA Y DEPORTE. INAEM.

EN COLABORACIÓN CON:

CENTRO FEDERICO GARCÍA LORCA. AYTO GRANADA

GRAN TEATRO DE CÓRDOBA

TEATRO LOPE DE VEGA DE SEVILLA

TEATRO CERVANTES DE MÁLAGA

AUTOR, DRAMATURGO Y DIRECCIÓN ESCÉNICA

 

JUAN CARLOS RUBIO

Nacido en Montilla, Córdoba, desde el año 1992 comienza a compaginar su trabajo de actor y presentador con la escritura de guiones televisivos (Farmacia de Guardia, Pepa y Pepe, Colegio Mayor, Más que amigos, Manos a la obra, Ellas son así, A las once en casa o Adolfo Suárez, el Presidente) cinematográficos (El calentito, Retorno a Hansala o Bon appétit) y textos teatrales.

Desde entonces, se han visto en España : Las heridas del viento, Humo, Arizona, Tres, 100m2, Concha-Yo lo que quiero es bailar, El manual de la buena esposa, El príncipe de Maquiavelo... UN TOTAL DE 21 OBRAS DIRIGIDAS de TEATRO.

También ha estrenado en Perú, Chile, Puerto Rico, Venezuela, Costa Rica, República Dominicana, Cuba, México, Uruguay, Argentina, Estados Unidos, Australia, Eslovaquia, Grecia e Italia y sus obras han sido traducidas a nueve idiomas.

Como director teatral ha puesto en escena sus obras Humo, Arizona, Tres, 100m2, Esta noche no estoy para nadie, el musical, Las heridas del viento, El príncipe de Maquiavelo e Iba en serio.

Asimismo ha dirigido obras de otros autores como El pez gordo, de Roger Rueff; Razas y Muñeca de porcelana, ambas de David Mamet; Ocasiones especiales, de Bernard Slade; La monja alférez, de Domingo Miras; Miguel de Molina al desnudo, de Ángel Ruiz; El secreto de Puente Viejo y Páncreas, de Patxo Tellería.

También ha dirigido las galas del Festival Málaga Cine Español 2010 y los Premios Max 2011.

Entre otros premios recibidos ha obtenido el Premio Ciudad de Alcorcón 1998 por Esta noche no estoy para nadie, el Premio Teatro SGAE 2005 por Humo, la Mención de Honor del Lope de Vega de Teatro 2006 por Arizona, el Premio Lope de Vega de Teatro 2013 por Shakespeare nunca estuvo aquí, el Premio El Público de Canal Sur 2015, El Premio de la Crítica de Andalucía 2015, el Premio Antero Guardia de Úbeda 2015, el Premio de Teatro Andaluz Mejor Autoría 2015 o el Premio Especial del Festival de Teatro de San Javier 2015.

 

ACTORES

GEMA MATARRANZ

Actriz de larga y sólida trayectoria avalada por los numerosos  reconocimiento y premios recibidos, entre ellos:

2007 Premio como MEJOR ACTRIZ recibidos con la obra MACBETH de W.

Shakespeare. -Festival Arcipreste de Hita (Guadalajara)/2008.

2013 Premio a la MEJOR ACTRIZ de ANDALUCÍA concedido por la Asociación de Artes Escénicas de Andalucía por su papel en la obra TEATRO PARA PÁJAROS.

2015 FINALISTA PREMIOS MAX como mejor actriz PRINCIPAL por Juana, la reina que no quiso reinar.

2015 Premio a la MEJOR ACTRIZ de ANDALUCÍA concedido por la Asociación de en la obra Arizona Artes Escénicas de Andalucía por su papel

 

ALEJANDRO VERA

Actor, cantante y bailarín que ha destacado por su versatilidad en el escenario. Ha trabajado en producciones musicales "Iba en serio".

Dirección: Juan Carlos Rubio. Premio PTM Mejor Actor Revelación 2016.

En gira. “Cabaret, el musical”. Maestro de Ceremonias. Teatro Rialto.

2015/2016 "Priscilla, Reina del desierto". Jessica Chonda, Alternante de Bernardette y elenco. 2014 – 2015 Su participación en series de televisión: "Cuéntame cómo pasó". TVE. "La que se avecina", “La Republica”

En cine destacar sus interpretaciones en:

“La mitad de Oscar”. Dir. Manuel Martin Cuenca.

“Sin Vergüenza”. Dir. Joaquin Oristrell. 2001.

 

 

 

Martes, 9 de julio, 21,00h.

DON JUAN TENORIO

José Zorrila

De Amarillo Producciones

 

¿Por qué “El Tenorio”?

 

Así, sin más rodeos, “El Tenorio”, así conocemos al más seductor de nuestros personajes literarios. “El Tenorio” liberado de su Don Juan, de su “donjuanismo” que tantas páginas y volúmenes de sesudos estudios ha llenado desde Tirso a Moliére pasando por Mozart o Gregorio Marañón, no sólo es un personaje que un día inspirara a Don José Zorrilla, es un rito, una maravillosa excusa para subir al escenario toda la carga de dudas, justificaciones, inspiraciones o seducciones que, según dicen, conforman la idiosincrasia o manera de ser y estar de algunos varones hispanos y algunas damas también. En su análisis científico y psicológico usaremos a Don Juan con esa patología denominada “donjuanismo”; en su exhibición popular y sobre las tablas utilizaremos “El Tenorio”, la función donde un Don Juan seduce, mata, suplica, muere y se salva por amor.    

 

A lo largo de los años muchas han sido las versiones y puntos de vista que dramaturgos y directores han utilizado para ofrecer la obra de Zorrilla al público. Unos cuestionaban la personalidad y condición sexual del personaje; otros ahondaban en la locura y en los trastornos de su personalidad; se llegó a intercambiar los papeles de seductor y seducida; hubo quien se ajustó a las páginas del autor y fielmente, sílaba a sílaba, levantó el tinglado teatral; también se hizo plato para un menú de Fiesta de Difuntos y era escuchar una campana doblando a muerto y salírsele a uno eso de “…no es verdad, ángel de amor…”. En fin, abordajes teatrales legítimos y en ocasiones, geniales.

 

 

 

 

El Autor

José Zorrilla y Moral nació en Valladolid el 21 de febrero de 1817.

Se dio a conocer en el entierro de Larra que leyó unos versos como homenaje al poeta suicidado que se convirtió en el manifiesto romántico español. Dramaturgo y poeta español que fue de las figuras más destacadas del romanticismo.

Entre sus principales obras dramáticas destaca Don Juan Tenorio, drama religioso-fantástico-romántico publicado en 1844 por él mismo.

 

La obra:

Lugar y tiempo y acción

La acción de la obra es trepidante y, en realidad, se desarrolla alrededor de un único sujeto: don Juan, y se divide en dos partes.

La primera consta de cuatro actos, que Zorrilla subtitula, significativamente, Libertinaje y esca?ndalo, Destreza, Profanacio?n y El Diablo a las puertas del Cielo. Se desarrolla en una noche, de ocho a diez, con un tiempo teatral que se alarga indefinidamente. Transcurre en la Hostería del Laurel en Sevilla, en medio de una fiesta de Carnaval de 1541; luego en la calle de la casa de don?a Ana; dentro de la celda de doña Ine?s; y finalmente en la quinta de don Juan. El autor desarrolla la acción como si se tratara de una comedia de capa y espada de Lope de Vega, moviendo a los personajes sin descanso de una peripecia a otra en el suspense permanente de las apuestas y los plazos.

 

Sinopsis

Don Juan Tenorio y don Luis Mejía, dos galanes, dos aventureros, dos seductores sin principios, salvo las normas bizarras del amor y de la guerra, rivalizan sobre sus conquistas. En un desafío que salta por encima de los límites concebibles, don Juan llega a seducir a la joven novicia doña Inés, tras burlar a su rival seduciendo también a su futura esposa. Don Juan pondrá en la balanza de su apuesta incluso su vida al ser sorprendido por la aparición del amor hacia doña Inés.

En una atmósfera sensual que la ciudad de Sevilla potencia, entre los símbolos de la muerte que la iconografía hispana pone a disposición del drama, asistimos a un canto al amor y a la vida sustentado por el arrepentimiento y el concepto cristiano del perdón.

Magistralmente hace doscientos años don José Zorrilla supo trasladar a la escena esta historia de burladores que siglos atrás ya venía emocionando al público. Con ese objetivo, emocionar, y con el gozo de disfrutar de unos versos que son inmortales en nuestro teatro, se pone este “Don Juan Tenorio” a disposición de ustedes.

 

 

 

Reparto:

Don Juan Tenorio: Guillermo Serrano

Doña Inés: Ana Batuecas

Don Luis Mejía: Fermín Núñez

Marcos Ciutti: Francis Lucas

Don Gonzálo de Ulloa: Rafa Núñez

Brígida: Memé Tabares

Cristófano Butarelli: Juan Carlos Castillejo

Don Diego Tenorio: Javier Herrera

La Abadesa de las Calatravas: Elena de Miguel

El Escultor: Juan Carlos Castillejo

Don Rafael de Avellaneda: Javier Herrera

El Capitán Centellas: Fermín Núñez

Lucía: Gema González

Alguacil 1: Francis Lucas

Alguacil 2: Juan Carlos Castillejo

 

Equipo artístico y técnico:

Autor: José Zorrilla

Versión: Miguel Murillo

Diseño de Escenografía: Luisa Santos

Diseño de Iluminación: Jorge Rubio

Música y espacio sonoro: Mariano Lozano

Diseño de Vestuario: Luisa Santos

Caracterización: Javier Herrera

Realización de vestuario: Isabel Trinidad

Realización de escenografía: Nave 13

Diseño Gráfico: Lou Germain

Diseño Web: Carlos Plaza

Fotografía: Antonio Martín

Vídeo: Silvia Soto

Producción Ejecutiva: Gema González

Ayudante de producción: Javier Plaza

Ayudante de dirección: Pedro Luis López Bellot

Dirección: Pedro A. Penco

 

 

Miércoles, 10 de julio, 21,00h.

 

“SOLITUDES”

 Kulunka Teatro

 

La compañía Kulunka Teatro presenta «Solitudes», su segundo montaje después de «André y Dorine». Una historia que, a través del humor, ahonda en la soledad y la incomunicación de los miembros de una familia.

El mismo equipo creativo ha puesto en pie un nuevo trabajo de teatro de máscaras que, sin una sola palabra, resulta todo lo contrario a inexpresivo.

El protagonista de Solitudes se siente incomprendido porque, como casi todos los ancianos para los que su vida es prácticamente una espera, ya sólo desea cosas sencillas. Cosas tan simples, que los demás no llegan a valorar su verdadera importancia. Lo extraordinario de esta historia es que el anciano -contra lo que podría esperarse de alguien con una vida ya casi sin alicientes- no se resigna, no renuncia a sus pequeños deseos y pelea por ellos con determinación y dignidad. Esto, claro, tendrá sus consecuencias para él mismo y para quienes rodean.

PREMIO MAX AL MEJOR ESPECTÁCULO TEATRAL Y A LA MEJOR COMPOSICIÓN MUSICAL.

PREMIO AL MEJOR ESPECTÁCULO en el Festival Be Birmingham.

PREMIO OJO CRÍTICO 2017 DE RNE.

ESPECTÁCULO RECOMENDADO POR LA RED NACIONAL DE TEATROS,  ha ganado los siguientes premios:

PREMIO AL MEJOR ELENCO. LA Critics Awards. LOS ÁNGELES (EEUU). 2016

PREMIO A LA MEJOR ESPECIALIDAD. MÁSCARAS. LOS ÁNGELES (EEUU)  2016
PREMIO CERES a la Mejor Caracterización 2015.

PREMIO AL MEJOR ESPECTÁCULO EXTRANJERO VILLANUEVA en el Festival Internacional de Teatro de la HABANA. CUBA 2011

 

Reparto:

         JOSE DAULT

         GARBIÑE INSAUSTI

         EDU CÁRCAMO

 

Dramaturgia: Garbiñe Insausti, José Dault, Iñaki RIkarte, Edu Cárcamo, Rolando San Martín

Música original y diseño de sonido: LUIS MIGUEL COBO

Diseño y construcción de máscaras: GARBIÑE INSAUSTI

Diseño de escenografía y vestuario: IKERNE GIMÉNEZ

Diseño y realización de iluminación: CARLOS SAMANIEGO «SAMA»

Producción: KULUNKA TEATRO

Fotos: DAVID RUIZ

Cartel: DANI CASTILLO

Distribución nacional: PROVERSUS

Distribución internacional: KULUNKA TEATRO

Ayte. direccion: ROLANDO SAN MARTÍN??

DIRECCIÓN: IÑAKI RIKARTE

 

Kulunka Teatro es una joven Compañía creada en Gipuzkoa en 2010 por Garbiñe Insausti y José Dault: dos jóvenes actores con formación académica en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid y con una extensa trayectoria teatral.

Dicho conjunto nace de la inquietud de sus integrantes por experimentar con diferentes lenguajes escénicos al servicio de un teatro accesible para todo tipo de público. Un teatro vital, actual, comprometido, capaz de emocionar y divertir a partes iguales. Pero sobre todo, un teatro honesto que por encima de todo nazca de la necesidad de sus creadores de contar historias.

Motivados por crear un espectáculo sin fronteras, su voluntad es la de descubrir un lenguaje que trascienda más allá de la palabra. Para ello, se apoyan fundamentalmente en un teatro de gesto, en el que la MÁSCARA actúa como puente hacia una poética visual. Ella abre las puertas del imaginario hacia un mundo en el que todo es posible.

Así fue como se creó “André y Dorine”: un espectáculo cuya trayectoria, premios y críticas avalan su calidad artística y humana. Un logro que sin duda hubiera sido imposible sin el trabajo y compromiso de unos colaboradores de lujo. Por ello, en este nuevo proyecto Kulunka Teatro vuelve a contar con el mismo equipo, apostando una vez más por un proyecto de creación colectiva. La trayectoria de esta joven compañía y la de su primer espectáculo, van de la mano. Desde que “André y Dorine” iniciara en Octubre de 2010 su andadura internacional en el Festival Internacional de Teatro de Manizales de Colombia, Kulunka Teatro ha realizado 250 funciones de su primer espectáculo, visitando en tres años más de 120 teatros y 50 festivales internacionales distintos, en 22 países, entre los cuales se hallan Inglaterra, Estados Unidos, Turquía, Nepal, Republica Dominicana, Ecuador, Argentina, Cuba, China, Panamá, Rusia, Noruega, Finlandia, Chile, Francia, Malasia, Portugal, Taiwan, México, …regresando en ocasiones a varios de ellos como Colombia, China, Turquía, Inglaterra…y cosechando importantes premios como el PREMIO DEL PÚBLICO Y PREMIO A LA MEJOR DRAMATURGIA en el Festival BE en Birmingham y PREMIO AL MEJOR ESPECTÁCULO EXTRANJERO VILLANUEVA en el Festival Internacional de Teatro de la Habana.

 

“EL AMOR Y EL OLVIDO. Los chicos de Kulunka llevan al público de un extremo emocional al otro: de la risa desopilante, al nudo en la garganta. Hacía años que no sentía un zarandeo semejante.”

EL PAÍS

 

“Más vale un silencio que mil palabras en esta comedia agridulce sobre los estragos de la soledad”

EL PAIS

 

“BELLEZA Y EMOCIÓN SIN PALABRAS”

EL MUNDO

 

“Kulunka Teatro nos da una lección de vida y amor con este espectáculo que emociona sin palabras”

REVISTA GODOT

 

“A menos que vaya a traer un hijo al mundo el sábado por la noche, vaya a ver este espectáculo. Sino, vaya a verlo el domingo”

STAGE AND CINEMA. LOS ÁNGELES

 

 

“...La puesta en escena está llena de poesía, de preciosas composiciones,

de momentos entrañables y de deliciosa comedia”

REVISTA CULTURAL MODERNÍCELAS

“ANDRÉ y DORINE: El lenguaje preciso de las máscaras y del corazón.”

DIARIO MÁLAGA HOY

 

Jueves, 11 de julio, 21,00h.

“TODAS HIEREN Y UNA MATA

Una comedia de capa y espada de Álvaro Tato

 

AY TEATRO

Dicen que cada hora es una flecha,

dicen que todas hieren y una mata

( Jornada primera)

La primera comedia en verso del siglo XXI

Una obra única: creada en verso a la manera de los grandes autores del Siglo de Oro según las formas estróficas y métricas planteadas por la “comedia nueva” de Lope de Vega, Todas hieren y una mata viaja entre el siglo XXI y el siglo XVII para hablarnos del paso del tiempo, los recovecos del amor y el deseo y el precio de la conquista de la libertad de la mujer.

Una reinvención original de la comedia de capa y espada, el gran género cultivado por Lope, Calderón y Tirso, con todos sus elementos formales puestos en juego al servicio de una trama de viajes en el tiempo, duelos

de honor, equívocos, enredos amorosos, magia… y personajes recreados a partir de los personajes claves del teatro clásico: la dama, el galán, el corregidor, la bruja, el gracioso…

Escrita en redondillas, romances, décimas, sonetos, octavas reales y demás formas literarias de la poesía dramática barroca, Todas hieren y una mata es una comedia divertida y profunda, una aventura literaria, un homenaje al teatro clásico y una reflexión sobre nuestra cultura.

La puesta en escena también lleva a nuestro siglo el lenguaje del teatro clásico y la esencia de las representaciones en los corrales de comedias: permanente juego teatral en que la imaginación del público, a través de elementos esenciales, recrea los diversos espacios y situaciones. Ritmo constante, música en directo, trabajo actoral colectivo, apuesta por la metáfora y la metonimia… la base del código teatral que provoca la sonrisa cómplice, la abierta carcajada, la emoción profunda… Pura comedia, puro teatro.

 

Sobre la obra

Todas hieren y una mata, dice el refrán latino. Las horas como flechas que nos van llenando de heridas… pero también de sabiduría y de lucidez.

Reinvención de la comedia barroca de capa y espada, esta obra supone la respuesta a un desafío: ¿puede escribirse hoy una obra teatral en verso clásico?

Con un trasfondo mágico de saltos temporales entre el Siglo de Oro y nuestro presente, esta revisión de los personajes, situaciones y claves dramáticas de uno de los géneros esenciales del teatro áureo constituye un canto de amor a los clásicos, pero también una reflexión contemporánea sobre el tiempo, la libertad y la cultura.

Un elenco de dos actrices y tres actores da vida a los siete personajes que viven una historia de amor, deseo, celos, duelos, flechazos, disfraces, magia y versos al estilo barroco; todos los grandes temas del siglo XVII reformulados en el siglo XXI.

Como si fuéramos discípulos díscolos de Lope de Vega, embarcamos al espectador en un viaje con mucho humor, mucha poesía, música en directo, elementos de ciencia ficción, gotas de aprendizaje y de crítica; una fiesta para reír, emocionarse y disfrutar de la música del idioma. O sea, puro teatro.

 

 

Sinopsis

El galán don Daniel y su criado Pico, perseguidos por el corregidor tras huir de la casa de la joven Aurora, encuentran en el bosque a una bruja que les salva con sus hechizos para viajar por el tiempo. A lo largo de sus viajes temporales intentarán enamorar a Aurora, que guarda un secreto: es una dama lectora con una biblioteca enterrada en su jardín. Y errando su camino mágico, criado y caballero llegarán al siglo XXI, donde una misteriosa profesora les ayudará en su aventura amorosa…

 

 

Los personajes

 

Doña AURORA, joven dama que vive recluida en el palacio de su padre; lectora a escondidas, entierra los libros en su jardín para no ser descubierta. Arrojada, temeraria, inteligente, capaz del mayor sacrificio, sueña con escapar de su realidad y cautiverio.

Don DANIEL, caballero galán, hijo de hidalgo empobrecido, joven impetuoso y turbulento, tan diestro con la lengua como con la espada; el encuentro con Aurora transformará su visión del mundo.

La BRUJA del bosque, última heredera de la estirpe de Celestina, hechicera capaz de volverse invisible, curar flechazos o viajar en el tiempo con polvo de la estatua del dios Cronos; depositaria del sustrato mágico y matriarcal de la cultura hispánica primitiva.

El CORREGIDOR, rival amoroso de don Daniel por el corazón de Aurora; hombre viudo, maduro, cazador, atrapado entre el deber de su cargo y el descubrimiento de un posible nuevo amor en que descanse su alma de militar retirado.

PICO, criado de don Daniel, gracioso de comedia, todo un maestro en el arte del disfraz. Bebedor, codicioso, cobarde y pusilánime, en su boca pueden escucharse los mayores disparates y las verdades más descarnadas y rotundas.

TERESA, criada de doña Aurora, graciosa de comedia; enemiga de los libros, lujuriosa, meticona, insolente, amiga de placeres y monedas, encomendada (con poco éxito) a la custodia de su señora.

ALBA, profesora de Lengua y Literatura de un Instituto de Enseñanza Secundaria; enamorada de los clásicos y defensora de la cultura. Nosotros, el público, somos sus alumnos a lo largo del viaje al teatro clásico.

 

Ficha artística y técnica

Elenco (por orden de aparición):

Alba / Aurora (dama) Alba Banegas

Don Daniel (galán) Antonio Hernández

Pico (criado gracioso) Diego Morales

Bruja / Teresa (criada) Sol López

Corregidor Carlos Lorenzo

 

Música original: Yayo Cáceres

Diseño de vestuario: Tatiana de Sarabia

Diseño de iluminación: Miguel A. Camacho

Diseño de producción: Emilia Yagüe

Diseño y fotografías: David Ruiz

Diseño de producción: Emilia Yagüe

Producción: Ay Teatro

Dramaturgia: Álvaro Tato

Dirección: Yayo Cáceres

 

El dramaturgo

Álvaro Tato (Madrid, 1978) es escritor, actor y dramaturgo, miembro fundador de la compañía Ron Lalá; sus espectáculos han realizado giras por veinte países y obtenido numerosos galardones, entre ellos

el Premio Max Mejor Espectáculo Musical 2017 y Premio Max Mejor Empresa de Artes Escénicas 2013.

Es autor de diversas versiones y dramaturgias para la Compañía Nacional de Teatro Clásico: El banquete (2018; dir. Catherine Marnas y Helena Pimenta), La dama duende de Calderón de la Barca (2017; dir. Helena Pimenta), El perro del hortelano de Lope de Vega (2016; dir. Helena Pimenta) y El alcalde de Zalamea de Calderón de la Barca (2015; dir. Helena Pimenta; candidato al Premio Max 2015 Mejor Versión/ Adaptación Teatral).

Ha escrito espectáculos como Nacida sombra (2017; dirección y coreografía de Rafaela Carrasco), Zarzuela en danza (Teatro de la Zarzuela, 2017; dirección y coreografía de Nuria Castejón), Comedia multimedia (2016; dir. Yayo Cáceres), Ojos de agua (2014, con Charo López; dir. Yayo Cáceres) y El intérprete (2013, con Asier Etxeandía).

Ha publicado sus textos teatrales en Siete otras vidas (2018, ed. Antígona) y los libros de poesía Vuelavoz (2017), Zarazas. Coplas flamencas reunidas (2015), Gira (Premio Internacional de Poesía Miguel Hernández 2011) y Cara máscara (Premio Hiperión de Poesía 2007), entre otros.

Es licenciado en Filología Hispánica por la Universidad Complutense de Madrid y ha estudiado Dirección de Escena en la RESAD. Nombrado Alumno Ilustre del IES Ramiro de Maeztu (Madrid) en 2018 y finalista al Premio Max Mejor Actor de Reparto por Cervantina (Ron Lalá) en 2017. Imparte cursos y talleres de Dramaturgia y Verso en el Máster en Creación Teatral (dir. Juan Mayorga) de la Universidad Carlos III de Madrid, entre otros centros educativos.

 

El director

Yayo Cáceres es director de la compañía de teatro, humor y música Ron Lalá. Nacido en Curuzú Cuatiá (Corrientes, Argentina), estudió Teatro con Roberto Stábile, Ernesto Retamero, Hugo Midón y Alejandra Boero y en el Conservatorio Manuel de Falla (Teatro San Martín, Buenos Aires). Ha recibido cursos de Hassan Couyaté (staff de Peter Brook), entre otros. Ha codirigido Los empeños de una casa de sor Juana Inés de la Cruz (Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico, 2018). Ha dirigido Comedia multimedia (2016), Ojos de agua (2014), Holly is good de Javix Bakman y Equívoca fuga de Daniel Veronese. Como actor, ha sido miembro de la compañía Imprebís (dir. Santiago Sánchez); con el mismo director participó en Don Juan Tenorio de José Zorrilla, Quijote y Galileo de Bertolt Brecht. En Argentina trabajó con Mabel Manzotti y Virginia Lago, entre otros.

Como músico, ha editado cuatro álbumes en solitario y ofrece numerosos conciertos en América y España. Ha publicado el libro Yendo / Entre orillas (ed. Autografía, con prólogo de Juan Diego Botto e ilustraciones de Óscar Grillo) Ha compuesto, adaptado, interpretado y dirigido música para espectáculos de las compañías Yllana y L´Om-Imprebís, entre otras, y música para películas, y ha sido músico de estudio y en directo para Teresa Parodi y Antonio Tarragó Ros, entre otros.

Ha recibido más de 15 premios en su carrera, entre ellos el Premio al Mejor Actor y a la Mejor Música de la Secretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires por La revolución que no fue (dir. E. Lamoglia, 2000)y el Premio Estrella de Mar (Mar del Plata, Argentina) al Mejor Actor de Reparto por Los diez días de Erdosain (dir. Daniel Baldó, Grupo Sísifo, 2000). Es profesor de Interpretación.

 

 

Viernes,  12 de julio, 21,00h.

“RETABLO DE LA AVARICIA, LA LUJURIA Y LA MUERTE” 

Teatro del Norte

ESTRENO ABSOLUTO

 

 

Ligazón y La rosa de papel

De  Valle-Inclán

Una gargantilla de  aljófares, para quien tanto tiene, nada representa. De perderme que sea en carroza   y para salir de cuidados. Con una gargantilla aún no me ciego, y antes me doy a un gusto mío  para perderme.                                                                                “Ligazón”

 

Inerte en la caja, desoyes las rutinas de este mundo político. Me sobrepongo a mi dolor y digo: !Solamente existe la nada! No asustarse, vecinos, es el credo moderno.                                    “La rosa de papel”

 

 

En el Retablo de la avaricia, de la lujuria y de la muerte los hombres van y vienen, motas de polvo revueltas por las corrientes hondas  e indomables  del instinto radical: hambre, sexo, riqueza, dominio,  superstición y agorería. En oposición, la presencia e imperio constantes de la mujer, creadora-estructora, fuerza irresistible, ciega naturaleza, fuente mezclada de bien y de  mal.

 

Autor: Valle-Inclan

Dramaturgia y Dirección: Etelvino Vázquez

 

Intérpretes: Cristina Lorenzo

                  Cristina Alonso

                  David González

                  Etelvino Vázquez

Espacio escénico y atrezzo: Carlos Lorenzo

Vestuario: Manuela Caso

Música original: Alberto Rionda

Iluminación: Rubén Álvarez

Fotos: Rafa Pérez

Diseño de cartel y programa: Jorge García Rodríguez Galván

Maquillaje y peluquería: Gloria Romero

Grabación en video: La Huella

Producción: Teatro del Norte

 

 

 

                                                                                                             Precio Entrada

08-07-19  HISTRIÓN TEATRO                                            8,00€

 

09-07-19  DE AMARILLO PRODUCCIONES        8,00€

 

10-07-19  KULUNKA TEATRO                                                             8,00€

 

11-07-19  AY TEATRO                                                                         8,00€

 

12-07-19  TEATRO  DEL NORTE                                        8,00€

 

 

ABONO 5 Espectáculos                              30,00€